Успевайте заказать остекление

ПО СТАРЫМ ЦЕНАМ!!!

Демонтаж старого балкона - бесплатно!

Рене магритт балкон


Описание картины Эдуарда Мане «Балкон»

18 апреля 2020

Эдуард Мане

«Балкон»

Холст, масло

170 см × 124 см

Музей Орсе, Париж

1868-1869

 

Франсиско Гойя

«Махи на балконе»

Метрополитен музей

1805-1812

К образу махи, типичной испанки, Франсиско Гойя (1746-1828) возвращался не раз. «Махи на балконе» - картина, на которой Гойя изобразил 4 персонажей: двух молодых красавиц в национальных костюмах и их кавалеров – махо. Основу пластического мотива позаимствовал у Гойи Эдуард Мане. Жан Адемар предположил, что Мане видел один из вариантов картины Гойи на аукционе Саламанка, проходившем в период с 3 по 6 июня в 1867 году.

Художники часто в поисках вдохновения обращаются к своим предшественникам, но интерпретируют сюжет на свой лад. У Гойи обе женские фигуры равноценны, Мане же выдает чувство – на его картине только одна главная героиня. Это Берта Моризо, любимая модель француза, сидящая в левой части полотна.

Обратите внимание, что двум другим моделям – скрипачке Фанни Клаус и пейзажисту Жану Батисту Антуану Гийме - уделено меньше внимания. В тени трех взрослых фигур – мальчик, считается, что Мане позировал его приемный сын, Леон-Эдуард Леенхоф. Леона часто можно встретить на полотнах отца, в общей сложности он позировал ему при создании 17 картин.

В «Балконе» была реализована нетипичная для академического искусства идея – Мане формирует объем в композиции не за счет расположения фигур в перспективе, а при помощи живописных приемов. Словно с помощью фотоаппарата, он фокусирует свое внимание на одной фигуре, размывая или погружая в тень (по мере удаления от первого плана) лица остальных.

Иерархия, обычно присущая человеческим фигурам и предметам, была проигнорирована: цветы получали больше деталей, чем некоторые лица. Неудивительно, что картина Эдуарда Мане «Балкон», бросившая вызов традициям и условностям, встретила неоднозначные отзывы, когда была выставлена на Парижском салоне в мае 1869 года. Фигуры застывают на мгновение с выражением безразличия на лицах, между ними нет никакого взаимодействия.

В конце 1860-х годов были популярны картины, изображающие сцены французской буржуазной жизни, рассказывающие истории. Ничем не примечательный обыденный мотив получает у Мане своеобразное поэтическое истолкование.  И в «Завтраке в мастерской», и в «Балконе» бытовые сцены приобретают характер групповых портретов.

Отсутствие какого-либо повествования в данном случае – одна из причин критического презрения к произведению и самому художнику. «Закрой ставни!», - такова была саркастическая реакция на произведения Мане карикатуристом Чарльзом Амадеем де Ноэ.

«Мur de la vie privée»

Cham (Charles Amadee de Noe) title page of Salon de 1868: Album de 60 caricatures

Paris:  Arnaulf de Vresse

1868

 

«Moloch», caricature of Manet’s The Balcony in Belphegor au Salon: Album critique et satirique de l’exposition de 1869

1869

При написании работы Эдуардом Мане было выполнено множество подготовительных эскизов. Долгое время он менял расположение персонажей, пока, наконец, не создал идеальную композицию. На одном из таких эскизов очаровательная Фанни с головным убором в виде цветка сидит на стуле.  

Эдуард Мане

Портрет Мадемуазель Клаус

Холст, масло

71 х 43 см

Музей Эшмола, Оксфорд

1868

Ставни по бокам и железный балкон, рассекающий картину в центре, сжимают пространство с трех сторон, нивелируют кажущуюся глубину балкона, подчеркивают двухмерность пространства. Темный фон «выдавливает» силуэты вперед. Изображение кажется сплющенным, оно словно ограничено формой самого холста. Художник ставит вопрос о соотношения пространственных возможностей картины и пространства внешнего мира. Подобные вопросы все чаще возникают в более поздних работах Мане, кульминацией которых становится «Бар в Фоли-Бержер» (Галерея Курто, Лондон, 1882).

Цвета, используемые в этой работе, поражают воображение. Ярко-зеленый балкон контрастирует с черным фоном и белыми одеждами персонажей (платьями дам, рубашкой мужчины). В образе каждого персонажа есть яркая деталь: у Берты – красный веер в руках и украшение на шее на изумрудной нити, у Фанни – яркий зонт, по цвету перекликающийся с листьями на головном уборе, а у  Антуана Гийме  - синий акцентный галстук находит отклик в горше и цветах, посаженных в нем.

Мане хранил эту картину до самой своей смерти в 1883 году, повесив ее рядом с «Олимпией».  В феврале 1884 года холст был куплен коллекционером и художником Гюставом Кайботтомм за 3000 франков. Кайботт выставил его на видном месте в своем доме в Женвилье. После смерти, по воле самого Кайботта, работа вместе с другими попала на попечение французскому государству. Она выставлялась в Люксембургском музее с 1896 по 1929 год, затем в Лувре, а с 1947 года - в Национальной галерее Же-де-Пом. В 1986 году полотно было передано музею Орсе, и находится там по сей день.

Сюрреалист Рене Магритт создал серию картин – «Перспектива», в которых на полотнах известных художников заменил персонажей на гробы. В том числе он переосмыслил «Балкон» Эдуарда Моне. Вместо четырех персонажей, он поставил на балконе 4 гроба, не только расположенных в тех же местах, что и оригинальные фигуры, но и повторяющих их позы.

Рене Магритт

«Перспектива. «Балкон» Мане»

Холст, масло

80 х 60 см

Музей изящных искусств, Гент

1950

Теги

импрессионизм, Описание картины, Мане.


Рекомендуем почитать

Балкон, 1950, Рене Магритт

Типичным для смешения категорий Магритта является двусмысленность между представленными вещами и идеями, ими управляющими: Балкон, первоначально созданный У Мане три женские фигуры в белых платьях. На вопрос Мишеля Фуко Магритт просто ответил:

Для меня обстановка «Балкона» предложила подходящее место, чтобы поставить гробы.Действующий здесь «механизм» мог бы стать объектом научного объяснения, которое я не могу дать. Объяснение было бы действительно, вне всяких сомнений, но это не сделает его менее загадочным. ”

Он указывает свой словесный каламбур на тему «перспектива», которая по-французски может также означать «перспектива» или «перспектива»: судьба, которая ожидает всех нас. «Это слово, - продолжает художник, - как и другие, имеет точное значение в контексте, но контекст - как вы показываете лучше, чем кто-либо в «Словах и вещах» - может сказать, что нет ничего путанного, кроме разума, который представляет воображаемый мир ».

,

Анализ 100 известных картин, полное собрание сочинений и биография


Рене Магритт был всемирно известным художником-сюрреалистом всех времен, но только когда ему исполнилось 50 лет, он, наконец, смог достичь определенной формы славы и признания за свои работы. Рене Магритт описал его картины говорят: «Моя картина - это видимые образы, которые ничего не скрывают; они вызывают тайну, и, действительно, когда человек видит одну из моих картин, он задает себе простой вопрос:« Что это значит? » Это не означает что угодно, потому что тайна ничего не значит, это непознаваемо.«

Рене Магритт родился в 1898 году в семье богатого фабриканта. В 1912 году его мать была найдена утонувшей в реке Самбре. Она покончила жизнь самоубийством, из-за чего семья подверглась публичному унижению. С 1916 по 1918 год Рене решила учиться в Academie des Beaux-Art, которая располагалась в Брюсселе. Он бросил школу, потому что считал это пустой тратой времени. Все его картины впоследствии отражают кубизм, движения, которые были введены Пабло Пикасс и был очень популярен в то время.В 1922 году он женился на Жоржетте и устроился на несколько небольших работ, в том числе рисовал капустные розы для компании по производству обоев, чтобы иметь возможность оплатить счета.

В начале своей карьеры, вскоре после женитьбы, Рене Магритт проводил свободное время, создавая художественные формы и работая над рядом произведений; именно в этот период он понял сюрреализм был той формой искусства, которая ему больше всего нравилась. «Угрожающий убийца» была одной из его первых работ в 1926 году, которая продемонстрировала сюрреалистический стиль, над которым он работал; «Потерянный жокей» был еще одним произведением, которое он представил в 1925 году, который также продемонстрировал это искусство.В течение своей карьеры он создал несколько вариантов этого изделия и изменил формат для воссоздания того, что наблюдал зритель.

Все, что мы видим, скрывает другое, мы всегда хотим видеть то, что скрыто тем, что мы видим. ”

- Рене Магритт

В 1927 году у Рене Магритта состоялась его первая персональная выставка, которая проходила в Galerie la Centauri в Брюсселе.В течение этого периода своей жизни он каждый день создавал почти одно произведение искусства, что на обширный показ и разнообразие уникальных стилей, которые могут увидеть посетители выставки. Но критики осыпали выставку ругательством. Подавленный неудачей, он переехал в Париж.

В 1920-х годах под влиянием работ психолога Зигмунда Фрейда литературное, интеллектуальное и художественное движение под названием сюрреализм искало революцию в борьбе с ограничениями. рационального ума; и, соответственно, они считали правила общества угнетающими.Сюрреализм также поддерживает марксистскую идеологию, которая требует ортодоксального подхода к истории как продукту материального взаимодействия коллективного общества. интересов, и многие известные художники-сюрреалисты, позже стали символами контркультуры 20-го века, такими как марксист Че Гевара.

После переезда в Париж Рене Магритт подружился с художником Андре Бретоном, основоположником сюрреализма, и стал ведущей фигурой в движении визуального сюрреализма. Примерно в то же время под влиянием картин де Кирико Между 1910 и 1920 годами Магритт начал рисовать эротически откровенные объекты, сопоставленные в сказочной среде.Его работы определили раскол между визуальным автоматизмом, воспитанным Жоаном Миро. и новая форма иллюзионистского сюрреализма, практикуемая испанцем Сальвадором Дали.

Для Магритта то, что скрыто, важнее того, что открыто для обозрения: это было правдой как в отношении его собственных страхов, так и в отношении его манеры изображения таинственного. Если он завернул тело в белье, если расстелил занавески или драпировки, если он прятал головы под капюшоны, то это было не столько для того, чтобы скрыть, сколько для достижения эффекта отчуждения.Он применил эту технику на очень ранней стадии, например, «Изобретение жизни», «Любовник» и «Центральная история» - это, безусловно, его главные произведения.

Во время немецкой оккупации Бельгии во время Второй мировой войны Магритт остался в Брюсселе, что привело к разрыву с другим художником Андре Бретоном. После разногласий с Бретоном Рене Магритт ненадолго принял красочный живописный стиль. в 1943-44, интермедия, известная как «Период Ренуара», как реакция на его чувства отчуждения и заброшенности, которые возникли в результате проживания в оккупированной немцами Бельгии.В течение этого времени, Магритт обеспечивал себя производством фальшивых картин Винсента Ван Гога, Пикассо и Сезанна. - это предприятие позже перешло к его брату Полю Магритту.

Если сон является переводом жизни наяву, жизнь наяву также является переводом сна. ”

- Рене Магритт

Рене Магритт оставался в Брюсселе до конца своей жизни.На протяжении большей части своей карьеры он работал в сюрреалистическом стиле, и он очень редко, если вообще когда-либо, отклонялся от этой формы. Большая часть работ, которые он создал изображены похожие сцены и повторяющиеся темы. Некоторыми из его любимых были парящие камни или создание рисунка на картине, а также он использовал множество неодушевленных предметов внутри человеческой фигуры, создавая различные стили. чего не сделали другие художники.

В течение h

.

Golconde от Рене Магритта

Рене Магритт известен тем, что использует обычные изображения таким образом, что они кажутся необычными.

Сюрреализм стал популярным на рубеже прошлого века, и хотя потребовалось время, чтобы стать мейнстримом с точки зрения интереса, это было очень популярное движение в то время.

Принимая во внимание огромные изменения, происходящие в мире, когда закончилась викторианская эпоха и началась череда долгих болезненных войн, неудивительно, что художники начали искать причудливые вещи в жизни, чтобы бросить вызов восприятию людей.

Как одна из самых любимых картин Магритта, «Голконда» (или, по-английски, «Голконда») является прекрасным примером этого. На нем изображена группа одинаково одетых белых мужчин в черных костюмах и котелках, падающих с неба на фоне пригородной сцены.

Вполне возможно, что людей поднимают с земли, как воздушные шары, а не спускают с неба, поскольку в этой сцене не отображается никакого реального движения, и ничто не указывает направление.

На самом деле, у каждого из мужчин были распущенные, плоские ступни, как если бы они стояли на плоской поверхности, что добавляло необычности картине. Возможно, на самом деле люди неподвижны в небе, подвешены там, где они находятся, по какой-то причине.

Сам Магритт носил такие наряды, как эти серые костюмы и шляпы-котелки, поскольку они были нормой во время написания картины. Тогда возможно, что он комментировал не только культуру, которая его окружала, но и то, как эта культура отражала его собственную идентичность, и что это значило.

Он также жил в пригороде часть своей жизни, что отражено в простых домах позади мужчин.

Однако мы никогда по-настоящему не поймем картины Магритта, даже если соберем как можно больше улик из его жизни, поскольку он избегал давать какие-либо объяснения своей работе. Это еще один уровень сохранения сюрреалистической природы его работ; слишком много объяснять это устранило бы тайну, а когда тайна составляет большую часть того, что делает искусство столь привлекательным, это становится проблемой.

Когда художник играет с такими мощными темами и интересными формами, есть тенденция забыть о мастерском использовании его медиума.Магритт взял простой мотив человека в котелке (обычная тема в его работах) и превратил его в сложную и интересную сцену. Загородные дома за пределами кажутся нарочито безвкусными, почти болезненно, и от этого вся сцена кажется более обычной. Такое использование нормальности против причудливого выделяет последнее больше. Возможно, Магритт комментировал, насколько странным может быть мягкий образ жизни, который некоторые выбирают.

Название указывает на смысл картины.Когда-то Голконде был городом в Андра-Прадеше в Индии, а сейчас он находится в руинах. Когда-то он был столицей двух крупных цивилизаций, а теперь известен своей близостью к шахтам, на которых добываются одни из самых печально известных алмазов в мире. Когда-то таким бриллиантом был «Кох-и-Нур», обнаруженный где-то в 13 веке, и теперь он является частью драгоценностей короны во владении британской монархии.

Из-за коннотации богатства, которым обладал город, это название теперь указано в словаре как «кладезь богатства».Из-за этого вполне вероятно, что Магритт намеревался прокомментировать богатство загородного образа жизни и то, насколько он стал мягким. Такие хорошо одетые мужчины в униформенных домах были бы большим источником богатства, хотя, возможно, они не стали бы производить что-то столь же красивое, как алмаз Кох-и-Нур.

Конечно, Магритт однажды сказал, что его картины ничего не значат, потому что тайна ничего не значит. В этом случае вникать так глубоко в смысл изображения обречено на бесплодие.

Однако, даже если не смотреть на внутренний смысл изображения, все равно можно безмерно наслаждаться этим изображением. Обычный набор мужчин придает изображению глубину и приятный узор, и хотя цвета приглушены, они все равно кажутся богатыми и интересными рядом друг с другом. Каждый из мужчин отличается по-своему, несмотря на то, как они одеты, и взгляд между ними, чтобы изучить их черты лица, почти оживляет других, когда вы вносите движение в картину.

Магритт был талантливым и успешным сюрреалистом, и в «Голконде» нетрудно понять, почему. Он привносит простые мотивы в необычную сцену, которая заставляет зрителя смотреть на нее с дополнительным интересом, а не пропускать мимо, как это было бы с изображением мужчины в костюме без такого увлекательного фона. Такое использование настройки, чтобы заставить разум сосредоточиться на простом взгляде, является мастерским, и есть несколько примеров этого, которые настолько ясны и эффективны, как «Голконда».

,

Смотрите также